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Episodios críticos (1957-2011). Colección MACBA se inicia con dos episodios centrales respecto de la revisión de la pintura moderna y el trayecto de esta hacia prácticas artísticas comprometidas con las transformaciones sociales. Hay que huir del contenido como de una plaga y El arte de la primera globalización podrán visitarse en la planta 1 del Museo hasta mediados de junio de 2013.

-Hay que huir del contenido como de una plaga

Evoca el grito de guerra de uno de los críticos de arte más influyentes de la modernidad, el americano Clement Greenberg. A mediados del siglo XX impuso la idea de que la pintura debía reducirse a un campo de percepciones visuales. Mientras que Greenberg, como otros críticos, se refería a menudo a una pintura que debía huir de toda forma de representación, las nuevas prácticas artísticas de los años sesenta y setenta hicieron avanzar el arte en una dirección distinta, hacia un esfuerzo colectivo por comprender el mundo. El gesto de Joan Miró provocado por el cineasta Pere

Portabella cuando, en 1969, borró el mural que había pintado en el Colegio de Arquitectos de Cataluña en su sede de Barcelona, condensa buena parte de la revisión que se dio en aquellos años acerca del género de la pintura. El film Miró el otro sirve de preludio a una autocrítica que condujo a opciones como la incorporación del objeto y de la imagen publicitaria en la superficie del cuadro. Entre las primeras, se presentan obras de Robert Rauschenberg y Antoni Tàpies. Entre las segundas, los décollages de Raymond Hains y las fotografías intervenidas de Nigel Henderson. En este contexto también se exponen revisiones de la pintura de tipo analítico, como las obras de Àngels Ribé y las teles monocromas de Joan Hernández Pijuan.

En el marco de esta idea del arte como pura percepción sensorial, aislada de toda voluntad discursiva, los espacios de exhibición e instituciones como los museos se han dirigido al público con un lenguaje que propicia una percepción desinteresada y desacomplejada que a menudo deriva en una invitación al sensualismo más banal. «Disfruta», «Experimenta» y «Emociónate» son eslóganes habituales de los centros de arte y, al mismo tiempo, mensajes parodiados por artistas como Andrea Fraser, quien -mediante un ejercicio de crítica institucional- desenmascara la retórica de los museos de última generación. Otra revisión de la pintura está compuesta por los trabajos de Robert Morris y del grupo Art & Language, primeros artistas que asumieron la crítica a la división del trabajo que reinaba en el sistema del arte de los años sesenta adoptando las herramientas de la crítica de arte como propias de la producción artística. Para ellos, el discurso sobre el arte se convirtió en material de primer orden y no en mero comentario de la obra.

-El arte de la primera globalización

En los años sesenta y setenta, y paralelamente a esta autocrítica de la pintura, el mundo conoció una insólita interconexión gracias a los medios de comunicación y a los nuevos medios de transporte que lo articulan como sistema global. Las nuevas prácticas artísticas avanzan hacia un esfuerzo colectivo por comprender la complejidad del mundo contemporáneo. En el citado contexto histórico, este episodio presenta una fértil vía de artistas periodistas, artistas sociólogos y artistas poetas que compartieron el reto de alcanzar una mirada global que fuera más allá de las realidades estrictamente nacionales o de aquellas otras propias de un sistema del arte cerrado. Mientras una de las estructuras variables de Öyvind Fahlström, The Little General (Pinball Machine) (1967-1968), transforma los iconos políticos de los años sesenta en una de las populares máquinas del juego del millón, el catalán Miralda documenta la fusión de culturas a través de los rituales de la comida en la obra Santa Comida (1984-1989). En estas visiones globales, Hélio Oiticica i Neville Almeida construyen una potente instalación festiva en que la cocaína se torna metáfora de un mundo entendido como mercancía. Se exponen también obras de Marcel Broodthaers y Hans Haacke, que hablan ya de un arte entendido como sistema autosuficiente. Por último, las obras de Dorothée Selz, Eugènia Balcells, Sanja Ivekovi? y Gerhard Richter denuncian la construcción mediática de los modelos de género, que, no obstante, perpetúan su hegemonía en este nuevo momento histórico.

En este trayecto de episodios críticos, la Colección MACBA articula una reflexión sobre la complejidad de las subjetividades contemporáneas. En la planta 0 del Museo y hasta el 17 de febrero de 2013 se presentan dos capítulos titulados Fisuras y Voyerismo, fetichismo y narcisismo.

-Fisuras

Contempla algunas figuras del yo que, pese a constituirnos como sujetos, suelen ser silenciadas. En este ámbito se presentan obras de Anne Lise Coste, Peter Friedl y Silvia Gubern, artistas que recuperan la fragilidad y provisionalidad del dibujo como una de las primeras representaciones del mundo. Los denominados mapas del conocimiento y los prejuicios que se esconden tras nuestra cosmovisión están presentes en las obras de artistas como Erick Beltrán y Matt Mullican, de quien se muestra una parte significativa de su compleja obra M.I.T. Project (1990-2009), y Oriol Vilapuig. Sobre la reflexión acerca de los espacios de construcción del sujeto, se presentan también obras elaboradas como crítica demoledora de los procesos de aprendizaje. Mike Kelley y Raymond Pettibon, artistas de la escena más rebelde de California, cuestionan las convenciones sociales aprendidas. Hijos de la primera generación que ya ha recibido una educación general básica y con la irreverencia propia de la escena punk, rechazan el aprendizaje recibido y los aspectos normativos de la educación. En este ámbito también se expone una instalación de Paul McCarthy donde, a través de la parodia, se muestran algunas de las paradojas del universo de los adultos.

-Voyerismo, fetichismo y narcisismo

Investiga el nuevo régimen visual convertido en hegemónico desde que el mundo ha sido entendido como una pantalla. A partir de pautas narrativas y formales propias del cine, la práctica del arte se transforma en una crítica de la representación que objetiva y desnaturaliza la posición de voyeur propia del espectador de la modernidad. El MACBA muestra instalaciones, vídeos y fotografías que pertenecen a una generación de artistas que sustituyeron la expresión individual por una investigación de tipo teórico al decantar su práctica hacia una función más analítica. Los americanos Dara Birnbaum y Dan Graham fueron pioneros, en los años setenta, en la exploración del vínculo entre el uso del vídeo y la percepción. El video Performer/Audience/Mirror (1975) de Dan Graham y la performance Attack Piece (1975) de Dara Birnbaum son buenos ejemplos de ello. Junto a estos trabajos críticos, los tableaux fotográficos o fotografías cinematográficas de Jeff Wall muestran sofisticadas composiciones que el artista denomina fotopinturas y que dirigen una mirada al mundo como si este fuese un espectáculo distante. El argentino David Lamelas disecciona la causalidad propia del montaje cinemático, así como la contingencia con la que se interpreta. Una de las artistas destacadas en cuanto a la relación entre visualidad y arquitectura urbana es la americana Judith Barry. A través de una escenografía visual de gran eficacia, la instalación Echo (1986), rememora el falso espejismo de felicidad paralelo al boom económico de los años ochenta y cómo este modelo ha contribuido, en parte, a la crisis actual.

El itinerario se completa con dos episodios situados en la planta 2 que pueden verse hasta el 6 de enero de 2013. Trabajo, poder y control se centra en la transformación de los sistemas de producción y en los valores que el capitalismo avanzado ha asociado al trabajo. Las prácticas artísticas que, desde los años ochenta y noventa, han construido una reflexión acerca de un mundo global pueden asociarse a un nuevo realismo del capitalismo de tipo postfordista, en cuyo marco el propio artista es un ejemplo de precariedad y marginalidad que, no obstante, acaba inspirando los principios del neomanagement. Déconnage presenta una videoinstalación sobre la figura de Francesc Tosquelles, pionero de la crítica a la antipsiquiatría, en el centenario de su nacimiento.

-Trabajo, poder y control

Las relaciones de poder en el espacio público, las capas dirigentes y las cadenas de producción industrial del siglo XXI son objeto de interés de los dibujos de Andreas Siekmann y de las fotografías de Sandra Balsells y Marc Pataut. Una gran instalación fotográfica de Allan Sekula documenta oficios manuales en distintos puntos del planeta como preludio visual de la actual crisis global. Si bien la instalación había sido mostrada hasta hoy al aire libre, esta es la primera vez que entra dentro de un museo. El MACBA expone la versión que se mostró en la Documenta de Kassel en 2007 con una parte en el espacio público exterior al museo y otra en el interior. Un «monumento al trabajo», como la califica su autor, establece un diálogo con un archivo de esculturas en hierro y acero de Richard Serra, Jorge Oteiza y Eduardo Chillida, entre otros. La mejor tradición escultórica moderna se asocia a un modelo de industria pesada que las nuevas formas de trabajo inmaterial han dejado en desuso. En este contexto, los films de Falke Pisano, Nestor Basterretxea y Marcelo Expósito investigan el vínculo entre materia prima, trabajo, ciudades y relaciones de explotación, todo ello mostrando cómo el arte moderno ha sido cómplice de la ocultación de formas de trabajo más primitivas y pesadas, siempre en beneficio de la abstracción. La fotografía documental de Allan Sekula tendría como misión recuperar y hacer salir a la luz la dialéctica entre distintas formas de trabajo que la escultura moderna había engullido bajo el formalismo de la abstracción. En este contexto puede verse una contundente instalación del artista polaco establecido en Nueva York Krzysztof Wodiczko. If You See Something (2005) parte de la constitución de un estado policial generalizado a raíz de los efectos del atentado a las Torres Gemelas de Nueva York para denunciar las nuevas formas de violencia contemporánea. Un modelo de control ciudadano que, con la complicidad de todos, ha sido exportado a otras ciudades del planeta como patrón unívoco y difícilmente reversible.

-Déconnage

En torno a este episodio, el MACBA presenta también un documento visual acerca de la figura de Francesc Tosquelles en el centenario de su nacimiento. Se proyecta Déconnage, una videoinstalación sobre este psiquiatra hijo de Reus condenado a muerte por el régimen de Franco y huido a Francia, donde renovó la psicoterapia institucional. Injustamente olvidada, la obra de Tosquelles fue pionera de la crítica a la antipsiquiatría y sirvió de base para pensadores como Gilles Deleuze y Félix Guattari. A través de un ensayo visual de Angela Melitopoulos y Maurizio Lazzarato, el MACBA recupera ahora su figura y su pensamiento.

-Fundación MACBA, veinticinco años construyendo Colección

La Fundación MACBA celebra su 25.º aniversario. En 1987, un grupo de 30 empresas y 33 particulares, de la mano de Leopoldo Rodés, presidente de la Fundación, se unieron a fin de colaborar en la constitución del Museu d'Art Contemporani de Barcelona y contribuir a la creación de un fondo de arte como futura colección permanente. En 1988, la Fundación MACBA, junto con la Generalitat y el Ayuntamiento de Barcelona, crearon el Consorcio MACBA, al que se incorporó el Ministerio de Cultura en 2007.El MACBA es una alianza público-privada totalmente pionera en el sector del arte y modelo de referencia en el actual contexto de crisis. Es gracias a empresas y particulares que mediante un ejercicio de generosidad mantienen su compromiso de mecenazgo que la Fundación MACBA sigue haciendo crecer la Colección MACBA cada año. La colección de la Fundación

MACBA es la columna vertebral de la Colección MACBA y precede a la inauguración del Museu d'Art Contemporani de Barcelona en 1995. La colección de la Fundación está formada por 1.699 obras que, sumadas a las de la Colección MACBA, suponen un total de 4.674 obras. El núcleo fundamental de estas obras pivota alrededor de los años sesenta y setenta, que representan la ruptura de las vanguardias de la segunda mitad del siglo XX. Sin embargo, la colección se ha especializado en artistas emergentes desde una perspectiva que sitúa las aportaciones de artistas catalanes y españoles en el contexto internacional. Es, básicamente, una colección pensada para leer el paso del siglo XX al siglo XXI. La Fundación MACBA ha adquirido obras a propuesta de los directores del MACBA contando siempre con el asesoramiento de un comité de expertos en arte contemporáneo de reputación internacional. Desde el acuerdo firmado por Isidro Fainé, presidente de 'la Caixa' y de la Fundación 'la Caixa', y Leopoldo Rodés, presidente de la Fundación MACBA, en julio de 2010, para unir las dos colecciones de arte contemporáneo, ambas instituciones cuentan con un comité asesor de compras único. En la actualidad este comité está formado por Vicente Todolí (ex director de la Tate Modern), Ivo Mesquita (director de la Pinacoteca de São Paulo), Paul Schimmel (conservador jefe del MOCA de Los Angeles), Joanna Mytkowska (directora del Museum of Modern Art de Varsovia), Chris Dercon (director de la Tate Modern) y Suzanne Ghez (directora de la Renaissance Society de la Universidad de Chicago).

A fin de conmemorar estos veinticinco años, la Fundación MACBA y el MACBA organizan una jornada de puertas abiertas el sábado 24 de noviembre, de 10 a 21 horas. Durante esta jornada se ofrecerá un programa muy variado para todos los públicos: visitas guiadas a Episodios críticos (1957-2011). Colección MACBA, actividades participativas y colaborativas, visitas performativas y una nueva visión sobre la conservación y la restauración en el arte contemporáneo.