Descripción de la Exposición ------------------------------------------------------- ------------------------------------------------------- TOO COOL FOR SCHOOL - EXPOSICIÓN DE CLAUSURA Nos despedimos de Barcelona con una exposición en la que reunimos a algunos de los artistas más representativos que han pasado por la galería, que son a su vez algunos de los más interesantes del panorama internacional del pop contemporáneo (incluyendo street art, pop surrealista, lowbrow, arte vinculado a la ilustración, etc.). No son todos los que están ni están todos los que son: nos habría encantado contar con absolutamente todo el mundo, pero finalmente hemos optado por una muestra más sintética para que se pueda apreciar mejor el trabajo de cada artista individualmente. Con este título no queremos decir que seamos demasiado cool para Barcelona -una ciudad que parece haber perdido fuelle en los últimos años. Ni que nuestros artistas sean los más interesantes de la escena del arte pop contemporáneo. Es un título patillero, chillón, pretencioso, fluorescente y absurdo, con el que queremos celebrar una exposición que será como una gran fiesta de fin de curso de mes y medio de duración, para irnos con una sonrisa y muy buen sabor de boca. Todos los artistas realizarán un autorretrato de pequeño formato que acompañará sus obras; les hemos dado total libertad en cuanto al tema, medio y formato, para completar una muestra en la que ellos serán los protagonistas, en la que dominará la pintura pero se complementará con mural, fotografía e instalación. La exposición se acompañará de una caja de lujo de edición limitada a 90 ejemplares en la que se incluirán ocho serigrafías de los artistas que viven en Barcelona presentes en la muestra: Víctor Castillo, Rai Escalé, Catalina Estrada, Boris Hoppek, Miss Van, Sergio Mora, Juanjo Sáez y Mike Swaney. Será una ocasión única para hacerse con un pack que incluye grandes nombres nunca antes reunidos. Dado lo especial de la ocasión, durante esta última exposición se podrán adquirir las ediciones que IguapopGallery ha producido en los últimos años (incluyendo posters, libros de Tim Biskup, Gary Baseman, Mery Cuesta, Boris Hoppek, Stanley Donwood, etc.) a precios muy especiales, con hasta el 50% de descuento. BIOGRAFÍAS DE ARTISTAS PRESENTES EN LA EXPOSICIÓN GARY BASEMAN Gary Baseman (nacido en 1960) es un artista que maneja a la perfección cualquier material y soporte como el dibujo, la pintura, la ilustración, el diseño de toys, y la animación. Él acuñó el término, 'pervasive art' para describir su estilo, así como muchos otros en el mundo del arte contemporáneo, como un arte que se ha trasladado a la cultura popular y las opciones más alternativas, como moda, diseño, toys, animación, música, performance, ... Aunque Baseman no comenzó formalmente como artista, desarrolló su propio estilo estético utilizando imágenes icónicas y mensajes fuertes, influenciado por sus estudios oficiales en Comunicación en la UCLA, donde se graduó Phi Beta Kappa, con Magna Cum Laude. Bareman, artista autodidacta, usó su imaginación para crear numerosos personajes, ante todo aprendiendo de la observación. Warner Brothers, la revista MAD, y Disneyland inspiraron su obra. Baseman ganó tres premios Emmy, y también de la Academia Británica de Cine y Televisión Arts (BAFTA) al Mejor Programa Infantil Internacional. Y estilo está englobado en el Lowbrow Art o Pop Surrealista, al igual que el de sus amigos y colegas de profesión Marc Ryden, Tim Biskup, Liz McGrath, Eric Withe y los Clayton Brothers. Ha expuesto en numerosas galerías y museos de los Estados Unidos, Brasil, Alemania, Israel, Italia, Rusia, España y Taiwán, entre otros países. TIM BISKUP Los Angeles, USA, 1967 El californiano Tim Biskup funde en su trabajo la anarquía del skate y el punk rock, la animación, el cómic underground, Disneylandia y Godzilla, con la belleza de la ilustración jazzy de los años 40 y 50 de clásicos como Jim Flora o Mary Blair. Su increíble dominio del color y estética, se refleja no sólo en sus pinturas originales, sino también en producciones paralelas que ha desarrollado desde los años 80: toys de vinilo, libros, serigrafías, líneas de ropa y accesorios, etc. Su trabajo está en contaste evolución, teniendo como referentes la realidad social y política de su país, pero sobre todo, la belleza. Ha colaborado con artistas de la talla de Mark Ryden o Gary Baseman y su trabajo ha sido expuesto en prestigiosas galerías de Los Ángeles, New York, San Francisco, Tokio, Melbourne y España. BLAMI San Sebastián, España, 1970 La obra de Blami se ubica en un cruce de referentes muy diversos, desde Keith Haring a Miró pasando por Basquiat o el outside art, con innumerables influencias gráficas de la cultura visual contemporánea y la impronta estética de raíces vascas. Sus piezas se definen por el trazo de una línea interminable que se tuerce sobre sí misma describiendo paisajes infinitos, por el juego de figura y fondo de capas superpuestas y por la profundidad de la grieta en el soporte. En un inagotable afán por la experimentación y una obsesión por la técnica, Blami plasma los conceptos e ideas, historias, paisajes, retratos o abstracciones sobre una infinitud de soportes aplicando la técnica que cada uno de ellos requiere, muchas veces a partir de objetos reciclados de las basuras, tapas de lavadora, ventanas, maderas, metales, plásticos o papeles, pintando, rayando, enganchando y cortando. Así se nos presentan piezas de carácter objetual trabajadas con la técnica del artesano al son de Codeine, Red House Painters, Al Green o Marvin Gaye, impregnadas de un carácter lúdico y concretadas por el azar. VICTOR CASTILLO Santiago de Chile, Chile, 1973 La obra de Víctor Castillo es de una fuerza desgarradora, consecuencia de un carácter templado que desvela en sus pinturas paisajes de desolación posapocalíptica trazados desde el estómago. Castillo se vale de un lenguaje propio basado en el uso de los iconos populares heredados del mundo del cómic, la ilustración y los rayos catódicos que inundaron su infancia, en el que éstos adquieren nuevos significados. Tras ser víctimas del pincel-bisturí del artista que los desentraña, amputa, recompone y recontextualiza, sus personajes se convierten en hilo conductor de narraciones que nacen de vivencias propias pero se elevan en hechos universales. Así, los originalmente inocentes caracteres se convierten en juguetes bélicos que, con ironía y sarcasmo, se ponen a su servicio para describir la violencia inherente al hombre, la hipocresía en la política, el racismo y la manipulación de la información. Deudor de artistas como Manuel Ocampo o Gary Baseman, Víctor Castillo logra dotar a cada una de sus obras de la inmediatez de un puñetazo en el estómago, en un discurso que, más allá del hecho concreto, se convierte en narración generacional. RAI ESCALÉ Barcelona, España, El audaz juego artístico que nos propone Rai parte de sustituir el lienzo blanco por imágenes obtenidas de la publicidad en revistas, pósters o pancartas publicitarias para, sobre ellas y mediante giros, trampantojos, collage, retoques y cualquier otro tipo de picardía visual, transformar el glamour en turbación, el naïf en inteligencia y la seducción erótica en guiños de desbarajuste. La obra en su conjunto acaba transcendiendo con mucho la broma sutil y el juego visual que han servido al autor como punto de partida (aunque no por ello el humor y el juego dejan de planear sobre cada cuadro hasta forzar alguna que otra sonrisa cómplice en el espectador más perspicaz). El juego último, en definitiva, no es otro que emplear la ironía como modo de estudiar y sondear la forma externa de la figura humana para convertirla en expresión de cualidades más profundas de la vida psíquica. TEXTO: Joan Quesada CATALINA ESTRADA Medellín, Colombia, 1974 Catalina Estrada es artista, ilustradora y diseñadora gráfica, formada entre Medellín y Barcelona. Representados en entornos barrocos plagados de flora y fauna fabulosa, los idílicos niños son el eje central de la composición de su obra que, trabajada como si fuese orfebrería, adquiere el aspecto de una delicada joya. De su país absorbió la alegría que llena sus obras de fuerza, luz y de color del folklore latinoamericano y los recuerdos de una infancia cuyo patio de recreo fue la propia naturaleza y, en Barcelona, ciudad donde reside desde 1999, su trabajo se impregnó de la elegancia y sofisticación ornamentada del Modernismo Catalán. Cada uno de los trabajos de Estrada es un microcosmos de imágenes recordadas y congeladas en el que diferentes animales parecen contar un cuento y nos transportan de inmediato a ese lugar que ya no existe en el mundo real pero que cada uno guarda en su memoria. ADOLF GIL Mallorca, España, 1970 Adolf Gil a finales del 92 lo dejó todo y se fue a vivir y pintar a Sydney (Australia) y desde entonces decidió volcarse en su faceta artística. Durante algunos años compaginó la pintura con su otra gran pasión, la música: fue productor y promotor musical, hasta que en el 98 decidió dedicarse exclusivamente a la pintura. Su propuesta se desmarca de la forma tradicional de entender la pintura: sus cuadros no muestran una imagen estática, sino que presentan un aspecto que varía de un día a otro o a diferentes horas del día. En sus pinturas usa todo tipo de técnicas y materiales superponiéndolos en capas sobre el lienzo; con ello consigue que el observador vea como cambian los colores y formas del cuadro: dependiendo de cómo incida la luz (como el cambio natural del sol a lo largo del día) y la posición del observador, la pintura adquiere una presencia cambiante. Mediante el uso de pinturas luminescentes logra también que sus cuadros emitan luz en la ausencia de luz, apareciendo otra figura de nuevo en la oscuridad. Se superponen formas orgánicas con trazados dónde predomina la línea recta; árboles y ciudades, lo natural y lo artificial aparecen superpuestos y contrapuestos para explicar mediante la transformación de los propios lienzos los contrastes de nuestra civilización. BORIS HOPPEK Kreuztal, Alemania, 1970 Desde que Boris Hoppek dejó Berlín para instalarse en Barcelona, en muchas paredes de Gracia y Ciutat Vella han proliferado unos dibujos a tiza de formas primarias en los que aparecen chicos y chicas, mujeres y hombres, personajes de un imaginario muy particular que vienen a reflejar la esencia de nuestra especie. En su obra, plantea desde su perspectiva extrañamente ambigua temas como el amor, el sexo, la lucha, el racismo, el nacionalismo o la inmigración en un juego en el que la ironía toma un papel importante a través de formas de una sencillez y personalidad excepcionales. La combinación de estos elementos da lugar a las más diversas manifestaciones; aparte del grafitti en espacios urbanos, en tiza o con spray, este alemán es un maestro del 'freestyle sewing' (costura de estilo libre): produce manualmente cada una de sus 'bimbosculptures', unos muñecos de trapo para adultos que nada tienen que ver con los asexuados productos de la industria juguetera. Los Bimbos, al igual que el resto de sus personajes, tienen pene y vagina, son sexys, coloristas, divertidos, perversos, agresivos, morbosos,... Su obra está en constante experimentación, siendo la fotografía la más reciente incorporación a sus creaciones. MISS VAN Toulouse, Francia, 1973 Miss Van empezó a pintar en la calles de su Toulouse natal a principios de los '90, rompiendo la masculinidad que ha reinado tradicionalmente en la escena del arte urbano. Barcelona ha visto aparecer desde hace algunos años en sus calles su personalísimo estilo que a día de hoy, sigue fascinando con sus ya archi-populares 'poupées', personajes a medio camino entre mujeres y niñas, de una feminidad desbordante y rezumando erotismo, sensualidad, provocación y cierta maldad al borde de la perversión. Con ellas, Miss Van ha creado un universo del que los hombres han sido excluidos, relegados al voyeurismo y sustituidos por animales apacibles, evocando a las pin-ups de los años 50 y en conexión con las tendencias más actuales de la pintura americana. Es una artista inagotable que ha desarrollado líneas de trabajo en muy diferentes soportes en paralelo al trabajo en muros, desde obras sobre tela que ya forman parte de numerosas colecciones privadas hasta colecciones de ropa propias. SERGIO MORA Sergio Mora estudió en la escuela de artes y oficios Llotja de Barcelona. Como Ilustrador colabora habitualmente con la revistas: Integral, Man, Cuerpomente, Tretze Vents, Supermini, Megatop, Shoft Secrets (Holanda), Courrier Cadres (Francia), Dominical, etc. yes responsable también de la portada del último disco de Marc Parrot, 'Dos Maletas'. La creación de Mora se podría definir con la ambigüedad que la describe: 'Mágico-curativa' y nos remonta al caleidoscopio de ideas que fluyeron de la mente del Bosco, a los negros sueños de Goya, a los carteles de mercadillo amarilleados por el padre tiempo, que se encargó de dorar el ambiente de su recuerdo. Hablamos de sueños forjados con caricia de pincel, donde la trigonometría del corazón lleva la imagen de la razón a lo obtuso; donde juguetes de cuerda se mezclan con monstruos tan reales como la propia existencia. Sus cuadros sumen al espectador en lo onírico, aquí el surrealismo deja de ser irreal para dar pie a un mundo nuevo: digamos una realidad paralela, en dos dimensiones, con perspectivas tan posibles como inciertas, como Magritte, nos abre puertas a aquello que tenemos enfrente y nos convierte en viejos niños, no en niños viejos. Esta obra supone ni más ni menos que un empujón hacia la sonrisa esbozada de Mona Lisa, a ciertas notas musicales que solo suenan con el instrumento del recuerdo. La experiencia de una obra rica en matices, espléndida en concepto...¿ilustrativa o pictórica? Tan inocente como salvaje, es la representación del vandalismo de la inocencia, como ver a un niño arrancar la luna del cielo, o alumbrar con la lupa un hormiguero...es obra digna de una canción. Texto: Ramón de Jesús JUANJO SAEZ Desde sus inicios como cronista de la Barcelona trendy hasta trabajos más recientes como el libro 'Arte', Juanjo Saez ha realizado flyers para el club Astin, dibujos sobre el Sonar, Nitsa o Razzmatazz, escenas con personajes 'modernos' como David Delfín o los Strokes, viñetas de 'Ideas para un mundo moderno' y 'Hit Emocional' o tiras protagonizadas por Picasso o Joseph Beuys, entre otros. La popularidad de Juanjo se extendió inicialmente mediante fanzines y publicaciones independientes gracias a una visión cínica y una crítica cáustica de su entorno inmediato, que incluía una extensa galería de personajes modernos pseudo-populares y clubs de moda. Pese a eso, como ya demostró con sus libros 'El Arte' (un best-seller de Modadori) o 'Buenos tiempos para la Muerte' y 'Nada' (Morsa), a Juanjo le han preocupado siempre temas metafísicos y de denuncia social, que son una faceta importante de su trabajo. También estarán presentes en la muestra críticas a la sociedad de consumo y el mundo de la publicidad, pensamientos sobre la muerte, la política, reflexiones sobre el mundo del arte contemporáneo, etc. SAN Rara vez pueden verse exposiciones de SAN (Cáceres, 1980) en España. Solicitado por galerías europeas y estadounidenses, este artista, que empezó a hacer graffiti a principios de los noventa, ha recorrido el mundo desarrollando una brillante carrera tanto en el espacio público como privado. El ser humano ha estado latente como fuente de inspiración en las últimas exposiciones de SAN: superado por sus propios inventos (Fifty24SF San Francisco, 2007 y Fifty24LA Los Ángeles 2008), desnudándose ante si mismo (Le Mûr, Paris 2009), o atrapado en el mito de Pygmalion (Stolen Space, Londres, 2009) o como la crítica se traslada al mundo artístico y, en particular, al artista urbano que vive los resplandores y trampas de su auge (Iguapop, Barcelona, 2009-2010) Desde sus comienzos, SAN optó por realizar obras de carácter figurativo para poder comunicarse mejor con el público de la calle. A raíz de su traslado a Madrid en 2000 para estudiar Bellas Artes su obra empieza a evolucionar fraguando un estilo propio con el que contar su personal visión de la realidad. Su lenguaje se nutre de símbolos y códigos que suscitan una lectura cuidada. Emplea un minucioso trazo que contrasta violentamente con los colores que utiliza y especialmente con el omnipresente argumento crítico que adquiere su trabajo. Durante los últimos años ha realizado centenas de intervenciones en el espacio público y exposiciones en todo el mundo: Inglaterra, Brasil, Alemania, Bélgica, Puerto Rico, Grecia, Irlanda, Rusia, Francia, Estados Unidos, Canadá e Italia. Su trabajo ha sido publicado en numerosos libros y revistas de prestigio artístico, destacando su libro monográfico editado por Belio. MIKE SWANEY Vancouver, Canadá, 1978 Nacido en 1978 en las Rocky Mountains del interior de Canadá. A día de hoy Michael vive y trabaja en Barcelona. El arte de Mike Swaney es narrativo, surrealista, delicado, y nostálgico. Primeramente a través del uso del collage, crea entornos domésticos referentes a memoria, objetos y revistas viejas encontradas. Mientras yuxtaposiciona las figuras y la arquitectura de periodos históricos diferentes, utiliza un elemento de humor contrastado por un embrujo ilimitado, que deja al espectador interpretar los escenarios abstractos. En la obra de Mike Swaney es habitual encontrar elementos referenciales a los foros, ritos y actores del arte contemporáneo. Sus collages retratan a menudo museos y performances, y están plagados de alusiones a la obra de otros artistas a los que él admira. Lejos de crear reflejos de los mismos, se apropia de elementos particulares filtrándolos e incluyendo siempre connotaciones subjetivas con un sutil sentido del humor. Su sistema roza la comicidad y puede ser percibido como crítico, aunque parte de un planteamiento tributivo producto de su profundo conocimiento y devota admiración. GARY TAXALI Gary Taxali es un artista ilustrador que vive y trabaja en Canadá. Además de las exposiciones en galerías y su trabajo de ilustrados, Gary dedica una parte de su tiempo viajando, dando conferencias y clases a varias organizaciones y arte y escuelas tales como The Ontario College of Art and Design, Toronto. Es uno de los miembros fundadores de The Illustrators' Partnership of America. En el año 2009 le fue otorgado el Grammy Award Nomination por el mejor diseño de portada de Cd de música. Actualmente está trabajando en su próxima producción del toy 'Oh No', bajo el nombre de su compañía Chump Inc. Y también en 'This is Silly', un libro para niños publicado por Scholastic que se cuya presentación está prevista para la primavera-verano 2010. Gary nació en Chandigarh, India, en 1968. Un año después él y su familia emigraron a Toronto. El estímulo de sus padres hizo que tomara clases de arte que finalmente le llevó a seguir una educación artística. Inmediatamente después de su graduación en 1991 en Ontario College of Art, empieza a trabajar como profesor de ilustración. Años después comienza a exponer en varias galerías por Estados Unidos, tales como La Luz de Jesús (Los Ángeles). En el año 2005 lanzó su primer toy de vinilo, The Toy Monkey, que incluyó una edición especial creada específicamente para el Museo Whitney de Arte Americano en Nueva York. Sus obras han dado la vuelta al mundo, no sólo con la publicación de los libros que ilustra, también exponiendo en importantes galerías de Estados Unidos y Europa, como Jonathan LeVine Gallery (New Cork), Iguapop Gallery (Barcelona)...
Esta exposición de clausura de la galería (que se traslada a Madrid) reunirá a algunos de los más interesantes del panorama internacional del arte pop contemporáneo: Gary Baseman, Tim Biskup, Blami, Victor Castillo, Rai Escalé, Catalina Estrada, Adolf Gil, Boris Hoppek, Miss Van, Sergio Mora, Juanjo Saez, San, Mike Swaney y Gary Taxali.
Actualidad, 23 jun de 2010
La galería Iguapop deja el barrio barcelonés del Born por el madrileño de Chueca
Por ARTEINFORMADO
Iguapop deja su sede de Barcelona, tras más de siete años de actividad, para trasladarse a Madrid. Durante estos años han organizado en su espacio, ubicado en el barrio del ...
Exposición. 17 dic de 2024 - 16 mar de 2025 / Museo Picasso Málaga / Málaga, España
Formación. 01 oct de 2024 - 04 abr de 2025 / PHotoEspaña / Madrid, España
